ثقافة

الحداثة الأمريكية

الحداثة الأمريكية ، مثل حركة الحداثة بشكل عام ، هي اتجاه الفكر الفلسفي الناشئ عن التغيرات الواسعة في الثقافة والمجتمع في عصر الحداثة. الحداثة الأمريكية هي حركة فنية وثقافية في الولايات المتحدة تبدأ في مطلع القرن العشرين ، مع فترة أساسية بين الحرب العالمية الأولى والحرب العالمية الثانية. مثل نظيرتها الأوروبية ، نشأت الحداثة الأمريكية من رفض تفكير التنوير ، سعياً إلى تمثيل الواقع بشكل أفضل في عالم جديد أكثر تصنيعاً.

التاريخ
مميز ، الفن الحداثي لديه ميل إلى التجريد ، مبتكرة ، جمالية ، مستقبلية ومرجعية ذاتية. ويشمل الفن البصري والأدب والموسيقى والأفلام والتصميم والعمارة وكذلك أسلوب الحياة. إنه يتصدى للتاريخية والاتفاقيات الفنية وإضفاء الطابع المؤسسي على الفن. لم يتم التعامل مع الفن فقط في الأكاديميات والمسارح أو قاعات الحفلات الموسيقية ، ولكن ليتم تضمينها في الحياة اليومية ويمكن للجميع الوصول إليها. علاوة على ذلك ، لم تركز المؤسسات الثقافية على الفنون الجميلة والباحثين اهتماما قليلا بالأنماط الثورية للحداثة. أدى التقدم الاقتصادي والتكنولوجي في الولايات المتحدة خلال العشرينات الصاخبة إلى ظهور طوباوية واسعة النطاق ، والتي أثرت على بعض الفنانين الحداثيين ، في حين كان آخرون يشككون في تبني التكنولوجيا. لقد أكّد الانتصار في الحرب العالمية الأولى على مكانة الولايات المتحدة كلاعب دولي وأعطى الناس الثقة بالنفس والشعور بالأمن. في هذا السياق ، شكلت الحداثة الأمريكية بداية الفن الأمريكي متميزًا ومستقلًا عن الذوق الأوروبي ، من خلال كسر الاتفاقيات الفنية التي تم تشكيلها بعد التقاليد الأوروبية حتى ذلك الحين.

استفادت الحداثة الأمريكية من تنوع ثقافات المهاجرين. استلهم الفنانون من الثقافات الأفريقية والكاريبية والآسيوية والأوربية الشعبية وأدمجوا هذه الأساليب الغريبة في أعمالهم.

كانت الحركة الأمريكية الحداثية انعكاسا للحياة الأمريكية في القرن العشرين. في عالم التصنيع السريع وسرعة الحياة المتسارعة ، كان من السهل أن يتم ابتلاع الفرد من خلال اتساع الأشياء ، دون أن يتجول ، خالياً من الهدف. تم تحدّي الحدود الاجتماعية في العرق والطبقة والجنس والثروة والدين. ومع تحدي البنية الاجتماعية من خلال وجهات النظر الجديدة ، تلاشت حدود المعايير التقليدية والبنية الاجتماعية ، وكان فقدان الهوية هو ما بقي ، وترجم في النهاية إلى العزلة ، والاغتراب والشعور العام بالانفصال عن أي نوع من “الكل”. كانت وحدة الدولة التي كانت تحتضن الحروب تموت ، إلى جانب وهم المجاملات التي باعتها لجنودها وشعبها. لقد ترك العالم عنيفًا وابتذالًا وروحيًا فارغًا.

سقط عامل الطبقة المتوسطة في وضع غير ملحوظ بشكل ملحوظ ، وهو ترس صغير للغاية لا يمكن أن يأمل في العثور عليه في آلة أكبر بكثير. تم التغلب على المواطنين مع عبثهم الخاصة. أحلام الشباب تحطمت مع الفشل وخيبة أمل خيبة أمل في الاعتراف بالحدود والخسارة. أصبحت حياة من خاب أملهم ومنبوذين أكثر تركيزًا. أصبحت القدرة على تحديد الذات من خلال العمل الجاد والحيلة ، لخلق رؤيتك لنفسك دون مساعدة من الوسائل التقليدية ، ثمينة. أيد بعض المؤلفين هذا ، بينما تحدى آخرون ، مثل F. Scott Fitzgerald ، كيف يمكن أن تكون قيم الامتياز خاطئة ولكن مدمرة.

كان لأمريكا الحداثية أن تجد أرضية مشتركة في عالم لم يعد موحداً في المعتقد. تكمن الوحدة الموجودة في الأرضية المشتركة للوعي المشترك في كل تجربة إنسانية. تم التأكيد على أهمية الفرد. شكلت الطبيعة المحدودة حقا للتجربة الإنسانية رابطة عبر جميع جسور العرق أو الطبقة أو الجنس أو الثروة أو الدين. المجتمع ، بهذه الطريقة ، وجدت معنى مشترك ، حتى في حالة من الفوضى.

يرى البعض الحداثة في تقاليد الجمالية في القرن التاسع عشر وحركة “الفن من أجل الفن”. يجادل كليمنت جرينبيرج بأن الفن الحديث يستثني “أي شيء خارج نفسه”. ويرى آخرون أن الفن الحداثي ، على سبيل المثال في موسيقى البلوز وموسيقى الجاز ، هو وسيلة للعواطف والمزاج ، وتناولت العديد من الأعمال القضايا المعاصرة ، مثل الحركة النسائية وحياة المدينة. حتى أن بعض الفنانين والمنظرين أضافوا بعدًا سياسيًا للحداثة الأمريكية.

لقد أتاح التصميم والهندسة المعمارية الأمريكية الحديثة للناس أن يعيشوا حياة عصرية. تغيرت حياة العمل والأسرة بشكل جذري وسريع بسبب الطفرة الاقتصادية خلال عشرينيات القرن العشرين. في الولايات المتحدة ، أصبحت السيارة شعبية وميسورة بالنسبة للكثيرين ، وزادت أوقات الفراغ والترفيه أهمية وفتح سوق العمل للنساء. من أجل جعل الحياة أكثر كفاءة ، يهدف المصممون والمهندسون المعماريون إلى تبسيط الأعمال المنزلية.

كان الكساد العظيم في نهاية العشرينات وأثناء الثلاثينيات خائبي الأمل من الاستقرار الاقتصادي للبلاد وتآكل الفكر الطوباوي. تسبب اندلاع وارباك الحرب العالمية الثانية في حدوث مزيد من التغييرات في العقلية. وقد سميت فترة ما بعد الحرب التي أعقبت الحداثة في وقت متأخر. كان عصر ما بعد الحداثة يُعتبر عمومًا من سمات فن أواخر القرن العشرين الذي بدأ في الثمانينيات.

موسيقى الجاز
في أوائل القرن العشرين ، تطور موسيقى الجاز من تقاليد موسيقى البلوز ، ولكنها ضمت العديد من العناصر الموسيقية والثقافية الأخرى. في نيو أورلينز ، التي تعتبر في كثير من الأحيان مسقط رأس الجاز ، استفاد الموسيقيون من تدفق التأثيرات الاستعمارية الإسبانية والفرنسية. في هذه المدينة ، سمح مزيج ثقافي عرقي فريد ومحظورات عنصرية أكثر مرونة للأميركيين الأفارقة بمزيد من النفوذ أكثر من المناطق الأخرى في الجنوب. جلبت الحرب الإسبانية الأمريكية الجنود الشماليين إلى المنطقة بفرقهم. اعتمدت الموسيقى الناتجة الأصوات من الأدوات النحاسية الجديدة. خلال الهجرة الكبرى ، انتشرت موسيقى الجاز من نيو أورليانز إلى نيويورك وشيكاغو ومدن أخرى ، وتضم أصواتًا جديدة على طول الطريق. أصبحت هارلم ، مدينة نيويورك ، المركز الجديد لعصر موسيقى الجاز.

موسيقى الجاز – موسيقى التكامل
موسيقى الجاز ، باعتبارها عنصرا مركزيا في الثقافة الأمريكية ، لها جذورها في ثقافة العبيد السود. الجمع بين عناصر الموسيقى من أنماط المكالمة والاستجابة في أفريقيا إلى الأجهزة الخاصة بها وريفس. في بداياته كان ينظر جاز بشكل حاسم من قبل أجزاء من السكان البيض ، الذين اعتقدوا أن موسيقى الجاز و ragtime إيقاعات كانت “تحطم وحشي وضجة” ، و شوهت هذا النوع كمنتج “ليس للمبتكرين ، ولكن غير الأكفاء.” في البداية ، كان أسلوبه المثير والنابض يخدم الصور النمطية العنصرية في العقل العام ، وكان مصادفة على نطاق واسع بالرفض المتشكك. على الرغم من هذه الظاهرة من العداء تجاه الأهمية الثقافية السوداء المتزايدة ، يفسر الكاتب الأمريكي لورانس دبليو ليفين دور الجاز كمحفز لوعي وطني متحول:

ثقافياً ، بقينا إلى حد أكبر بكثير مما عرفناه حتى الآن ، شعب مستعمر يحاول تعريف نفسه في ظل القوة الإمبراطورية السابقة. كان الجاز تعبيرا عن ذلك الجانب الآخر من أنفسنا الذي سعى إلى التعرف على الجوانب الإيجابية لحداثتنا وعدم تجانسنا. تعلمنا أن نكون مرتاحين لكون جزء كبير من تراثنا مشتق من إفريقيا وغيرها من المصادر غير الأوروبية ؛ وهذا معترف به في الثقافات المتزامنة المختلفة التي أصبحت سمة مميزة للولايات المتحدة على أنها نقطة ضعف محرجة ولكنها مصدر قوة ديناميكي.

عد كل شيء ، كان من طبيعة الجاز أن نسعى إلى التقارب الثقافي بين السود والبيض. وفقا لعازف الساكسفون سوني رولينز ، “كان موسيقى الجاز دائما موسيقى التكامل.” خلال عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين ، اكتسبت موسيقى الجاز نجاحًا كبيرًا في شعبيتها ، وأثارت اهتمامًا متزايدًا بالشباب البيض الذين اجتذبتهم حرية التعبير الفني والشخصي والحضاري للتعبير عن هذا الشكل الموسيقي الجديد. تم استلهام الموسيقيين البيض المعروفين مثل بيني غودمان وجين كروبا وميلتون ميزرو وموجسي سبانير أو جو سوليفان من الرموز الأفروأمريكية مثل لويس أرمسترونغ. سرعان ما انتشر قبول الجاز عبر المحيط الأطلسي ، وبحلول منتصف القرن العشرين ، جعله عالميًا. اليوم ، تعتبر موسيقى الجاز جزءاً لا يتجزأ من الثقافة الأمريكية ، والموسيقى المحلية الفريدة لأمريكا ، وممثل عالمي عن الثقافة الأفريقية الأمريكية.

الجاز وأمريكا
أعلنت مقالة نشرت في صحيفة نيويورك تايمز في عام 1923 موسيقى الجاز ، “… مساهمة أمريكا في الفنون. وهي معترف بها في جميع أنحاء العالم كجزء من تقاليد موسيقية موسيقة في هذا البلد: هو تمامًا ونموذجًا أمريكيًا كعقيدة مونرو أو الرابع من يوليو ، أو البيسبول “.

تبدأ موسيقى الجاز الأمريكية بجذورها. كان الجاز نتاج الأمريكيين الأفارقة ، وهي مجموعة ثقافية متميزة بأمريكا. على الرغم من أن موسيقى البلوز المبكرة كانت تغني بوضوح عن أحزان النازحين ، كان الجاز شيء آخر. الطبقة العاملة الأمريكية الأفريقية التي أنجبت موسيقى الجاز لم تكن خاضعة لتعليم الموسيقيين البيض الآخرين ؛ تمكنت المنشطات السوداء من الهروب من الضغط من أجل “إضفاء الطابع الأوروبي” على فنهن. طلبت الثقافة (برأس مال C) بشكل أساسي أن الأمريكيين يفضلون ، ويثنون ، ويكررون كل الأشياء الأوروبية. بعيدا عن هذه القيود ، تقدم الجاز بطريقة مجهولة. في عام 1925 ، وصف إيرفينغ برلين موسيقى الجاز “بالموسيقى الشعبية الأمريكية” ، واستشهد بتأثيرات تتراوح من “الأغاني الجنوبية القديمة” و “الروحيات الزنوج” ، إلى “مسحة من الأغاني الشعبية الروسية والإيطالية” ، ولكن برلين خلصت إلى أنها “عادة” أمريكا فوق كل شيء “. مثل الأمة التي أنشئت فيها ، مزج موسيقى الجاز بين التأثيرات العرقية والثقافية المنفصلة في منتج جديد ومختلف ، يجمع بين عناصر من الهوية السوداء وتأثيرات المهاجرين الأخرى. أدرجت أصوات الجنوب والعناصر الحديثة والمكيّفة من أفق المدينة. كان الجاز أميركيًا بارزًا من حيث أنه مزج شخصية الشعوب المختلفة ، لكنه كان لا يزال يسمح للفرد بالفرصة للتعبير عن نفسه منفرداً ارتجاليًا ، وبالتالي أكد “الفردية الفردية” التي ميزت الأمة. علاوة على ذلك ، بدأ الجاز في كسر الحاجز بين المؤدي والجمهور. انها ثقافة “ديمقراطية” ، مما يجعلها في متناول الشخص العادي.

موسيقى الجاز الحديثة
إن موسيقى الجاز حديثة بشكل واضح في الصوت والأسلوب. وفقا لورانس ليفين ، “كان الجاز ، أو بدا وكأنه نتاج عصر جديد … صاخب ، متنافرا … يمكن الوصول إليه ، عفويًا … صريحًا ، موسيقى تفاعلية وتشاركية”. واتهم دانييل غريغوري ماسون أن موسيقى الجاز “تكيفت تماما مع الروبوتات التي يمكن استنتاجها من الآخر. ومن ثم فإن موسيقى الجاز هي الانعكاس الموسيقي الدقيق للرأسمالية الصناعية الحداثية” ، كما تم تشبيه موسيقى الجاز بصوت البرشمة. دعا إيرفينغ برلين موسيقى الجاز “موسيقى عصر الماكينة”. جذب اللاعبون التأثيرات من كلام الشارع اليومي في هارلم ، وكذلك من اللوحات الانطباعية الفرنسية. تستدعي الطبيعة المرتجلة للاعب أن يفكّك ويفحص البنية الموجودة مسبقًا داخل الموسيقى. كإشادة بحداثة موسيقى الجاز ، يحتاج المرء فقط لفحص وسائل الإعلام المختلفة التي لفتت التأثيرات من الموسيقى. تعتبر لعبة Shuffle Along الموسيقية واحدة من أقدم وأروع تكيفات الجاز مع المسرح ، وقد ظهرت رقصات موسيقى الجاز في مسرح متروبوليتان في نيويورك ، ولانغستون هيوز ، وسترلينغ براون شعرًا من موسيقى الجاز التي عاشوها ، وموسيقى الجاز الملونة على لوحات آرون. دوغلاس ، ميغيل Covarrubias ، وغيرها الكثير.

الفنون البصرية

اللوحة الأمريكية الحداثية
لا يوجد تاريخ وحيد لبداية العصر الحديث في أمريكا ، حيث كان عشرات الرسامين ينشطون في بداية القرن العشرين. كان هذا هو الوقت الذي ظهرت فيه المناظر الطبيعية التكعيبية الأولى ، الحياة الساكنة والصور. دخلت الألوان الزاهية لوحات من الرسامين ، وعرضت أول لوحات غير موضوعية في صالات العرض.

كما أصبحت الحركة الحداثية خلال السنوات التكوينية شعبية في مدينة نيويورك بحلول عام 1913 في معرض استوديوهات مانهاتن الشهير فيلهيلمينا ويبر فورلونج (1878-1962) وعبر عمل ويتني ستوديو كوب في عام 1918. وفقًا لديفيدسون ، البداية من اللوحة الحداثية الأمريكية يمكن أن تعود إلى 1910s. استغرقت الفترة الأولى من الفترة 25 سنة وانتهت في حوالي عام 1935 ، عندما تمت الإشارة إلى الفن الحديث باسم ، ما أطلق عليه جرينبيرج اسم الطليعية.

عرض 1913 مخزن الأسلحة في مدينة نيويورك العمل المعاصر للفنانين الأوروبيين ، وكذلك الأميركيين. أثارت اللوحات الانطباعية والمثينية والتكعيبية العديد من المشاهدين الأمريكيين الذين اعتادوا على المزيد من الفن التقليدي. ومع ذلك ، مستوحاة مما رأوه ، تأثر العديد من الفنانين الأمريكيين بالأفكار الراديكالية والجديدة.

تميز أوائل القرن العشرين باستكشاف التقنيات وطرق التعبير الفني المختلفة. ذهب العديد من الفنانين الأمريكيين مثل فيلهيلمينا ويبر ، مان راي ، باتريك هنري بروس ، جيرالد مورفي وغيرهم إلى أوروبا ، ولا سيما باريس ، لصنع الفن. أدى تشكيل مختلف الجمعيات الفنية إلى تعدد المعاني في الفنون البصرية. تجمع مدرسة أشكان حول الواقعية (روبرت هنري أو جورج لوكس). قامت دائرة ستيغليتس بتمجيد رؤى مجردة لمدينة نيويورك (ماكس ويبر ، أبراهام ووكوفيتز) ؛ تطورت رسامي الألوان في اتجاه “synchromies” الملونة ، مجردة (ستانتون ماكدونالد رايت ومورغان راسيل) ، في حين تصور الدقة المشهد الصناعي في أمريكا في شكل هندسية حادة وديناميكية (جوزيف ستيلا ، تشارلز شيلر ، مورتون ليفينغستون شامبرغ و تشارلز ديموث). في نهاية المطاف الفنانين مثل تشارلز بيرتشفيلد ، مارسدين هارتلي ، ستيوارت ديفيس ، آرثر دوف ، جورجيا أوكيفي الذي كان يعتقد أنه أم الحداثة الأمريكية ، جون مارين ، آرثر بيتشر كارليس ، ألفريد هنري مورير ، أندرو دازبيرغ ، جيمس داوجيرتي ، جون كوفرت ، هنرييتا شور ، ويليام زوراش ، مارجريت تومبسون (زوراش) ، مانير داوسون ، أرنولد فريدمان وأوسكار بلومنر ، إيذانا ببدء عصر الحداثة في مدرسة نيويورك.

يعتبر تحول التركيز وتعدد الموضوعات في الفنون البصرية سمة مميزة للفن الأميركي الحداثي. وهكذا ، على سبيل المثال ، جلبت المجموعة الثمانية التركيز على المدينة الحديثة ، وركزت على تنوع فئات مختلفة من المواطنين. قام اثنان من أهم ممثلين عن The Eight ، روبرت هنري وجون سلوان بعمل لوحات عن التنوع الاجتماعي ، وكثيراً ما كان يعتبر موضوعاً رئيسياً لسكان الأحياء الفقيرة في المدن الصناعية. كانت أواخر عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين تنتمي إلى عدة حركات في الرسم الأمريكي ، الإقليمية والواقعية الاجتماعية. ركز المخططون الإقليميون على سطوع المشهد الأمريكي وتعقيدات الحياة الريفية ، بينما ذهب الواقعيون الاجتماعيون إلى مواضيع الكساد الكبير والفقر والظلم الاجتماعي. احتج الواقعيون الاجتماعيون ضد الحكومة والمؤسسة التي بدت منافقة ومتحيزة وغير مبالية بمسائل عدم المساواة الإنسانية. كانت الأفكار التجريدية والمناظر الطبيعية والموسيقى من الموضوعات الحداثية الشائعة خلال النصف الأول من القرن العشرين. كان الفنانون أمثال تشارلز ديموت الذين قاموا بتأليف روائعه “رأيت الشكل الخامس في الذهب عام 1928” و “مورتون شامبرغ” (1881–1918) و “تشارلز شيلر” مرتبطين ارتباطًا وثيقًا بالحركة الدقيقة أيضًا. رسم شيلير عادة مناظر المدينة والهندسة المعمارية الصناعية كما هو موضح من خلال رسمه لقناة أموسكيغ عام 1948. تم تمثيل موسيقى الجاز والموسيقى بشكل ارتجالي من قبل ستيوارت ديفيس ، كما يتضح من Hot Still-Scape for Six Colors – 7th Avenue Style ، من 1940.

سد الحداثة الفجوة بين الفن وجمهور متنوع اجتماعياً في الولايات المتحدة. وهناك عدد متزايد من المتاحف وصالات العرض التي تهدف إلى جلب الحداثة إلى عامة الناس. على الرغم من المقاومة الأولية للاحتفال بالتقدم والتكنولوجيا والحياة الحضرية ، ساهمت الفنون البصرية بشكل كبير في الوعي الذاتي والوعي للشعب الأمريكي. وقد سلطت اللوحة الحديثة الحديثة الضوء على الحالات العاطفية والنفسية للجمهور ، والتي كانت أساسية لتشكيل هوية أمريكية.

لم تؤد العديد من الاتجاهات “للحداثة” الأمريكية إلى أسلوب واحد متماسك ، ولكنها أثارت الرغبة في التجارب والتحديات. أثبتت أن الفن الحديث يتجاوز المبادئ الثابتة.

المدارس والحركات الرئيسية للحداثة الأمريكية
مجموعة Stieglitz
دائرة ارينسبيرج
الرسامين اللون
Precisionism
المستقلون
مدرسة فيلادلفيا
المستقلون في نيويورك
شيكاغو وغربًا

لوحة الحداثة
كانت جورجيا أوكيف ، المعروفة باسم “أم الحداثة الأمريكية” ، شخصية رئيسية في الحداثة الأمريكية منذ عشرينيات القرن العشرين. وقد حصلت على اعتراف واسع النطاق ، لتحديها حدود الأسلوب الفني الأمريكي الحديث. وهي معروفة في المقام الأول بلوحات الزهور والحجارة والقشور وعظام الحيوانات والمناظر الطبيعية التي صنعت فيها التجريد والتمثيل. رأس الرام الأبيض هولي هوك وليتل هيلز ، من عام 1935 هو لوحة معروفة جيدا من قبل O’Keeffe.

استخدم آرثر دوف مجموعة واسعة من الوسائط ، في بعض الأحيان في مجموعات غير تقليدية لإنتاج تجريداته ومناظره الطبيعية المجردة. لي والقمر من عام 1937 هو مثال جيد على المناظر الطبيعية التجريدية آرثر دوف وقد أشير إليها باعتبارها واحدة من الأعمال التي بلغت ذروتها في حياته. قام دوف بسلسلة من أعمال التجميع التجريبي في عشرينيات القرن العشرين. كما قام بتجربة التقنيات التي تجمع بين الدهانات مثل الزيت المخلوط باليد أو درجة الحرارة فوق مستحلب الشمع.

يعد الرسام الأمريكي من أصل أفريقي أرون دوغلاس (1899-1979) واحدًا من أشهر الرسامين الأميركيين الحداثيين والأكثر نفوذاً. ساهمت أعماله بقوة في تطوير حركة جمالية ترتبط ارتباطًا وثيقًا بالسمات المميزة للتراث والثقافة الأفريقية الأمريكية. أثر دوغلاس على الفنون البصرية الأمريكية الأفريقية خاصة خلال نهضة هارلم.

واحدة من أكثر اللوحات شعبية في دوغلاس هي The Crucifixion. تم نشره في ترومبونس God Weldon Johnson’s God’s Trombones في عام 1927. يظهر مشهد الصلب الذي تم تصويره في اللوحة العديد من العناصر التي تشكل فن دوغلاس: التحديد الواضح للقطعة ، تغيير الظلال والضوء ، أجسام بشرية مبسطة وأرقام هندسية كدوائر متحدة المركز. على النقيض من الأشكال الخطية. لا يشبه موضوع اللوحة المشهد التوراتي فقط ، بل يمكن اعتباره أيضًا إشارة إلى التقليد الديني الأميركي الأفريقي: فالسيد المسيح المتضخم والظلام يحمل صليبه ، وعيناه موجهتان إلى السماء التي يضيء منها الضوء على أتباعه. الجنود الرومان منمنمة يحيطون بالمشهد برماحهم المدببة. ونتيجة لذلك ، يتم تذكير المراقب على سبيل المثال بتقاليد الإنجيل الأفريقي الأمريكي ، ولكن أيضا بتاريخ من القمع. كان كل من Beauford Delaney و Charles Alston و Jacob Lawrence و Romare Bearden من الفنانين الأمريكيين الحداثيين المهمين الذين ألهموا أجيالاً من الفنانين الذين تبعهم.

التصوير الحداثي
في بداية الحداثة الأمريكية ، لا يزال التصوير الفوتوغرافي يناضل من أجل الاعتراف به كشكل من أشكال الفن. وصفه المصور ألفريد ستيغليتز على النحو التالي: “بدأ الفنانون الذين رأوا صوري السابقة يقولون لي إنهم يحسدونني ، وأنهم يشعرون أن صورتي كانت متفوقة على لوحاتهم ، ولكن ، للأسف ، لم تكن الصور الفوتوغرافية فنًا. لم أتمكن من فهم لماذا يجب على الفنانين أن يحسدوني على أعمالي ، لكن في نفس الوقت ، استنكر الأمر لأنه كان من صنع الآلة. ” (ستيغليتز: 8). في عام 1902 ، أسس Stieglitz مجموعة Photo-Secession مع أعضاء مثل Edward Steichen و Gertrude Käsebier و Clarence Hudson White ، والتي كان هدفها رفع المستوى وزيادة الوعي بالتصوير الفوتوغرافي الفني. في تلك المرحلة ، كان أسلوبهم الرئيسي هو المصور ، الذي كان معروفًا بتعديل الصور من خلال التركيز الناعم ، أو الفلاتر الخاصة أو عمليات الطباعة الغريبة ، لتقليد نمط اللوحات والرسومات في ذلك الوقت. بالنسبة لوسائل النشر ، بدأت Stieglitz ، كقوة دافعة للحركة ، مجلة Camera Work ، حيث قام بنشر فنانين شعر أنه يمثل الحركة. كما أدار ثلاثة صالات عرض واحدة تلو الأخرى ، وهي “291” (1905-1917) ، “The Intimate Gallery” (1925-1929) و “An American Place” (1929-1947). خدم 291 على وجه الخصوص كنقطة التقاء للفنانين والكتاب ، وكان أول من عرض الأعمال الفنية الحديثة للفنانين الأوروبيين ، مثل هنري ماتيس ، أوغست رودان ، هنري روسو ، بول سيزان ، وبابلو بيكاسو ، في الولايات المتحدة. تم إنشاء رابط آخر للطليعة الأوروبية بواسطة مان راي. ولد راي في أمريكا واستلهامًا من العمل الذي شاهده في صالات ستيغليتس ، هاجر إلى باريس في عام 1921 ، وقام مع فنانين من حركات دادا والسريالية الأوروبية بإنشاء تقنيات تصوير جديدة مثل الشعارات (وضع الأجسام مباشرة على ورق حساس).

في أوائل 1920s ، انتقل المصورين نحو ما وصفوه التصوير المستقيم. وعلى النقيض من الأسلوب التصويري ، فإنهم يرفضون الآن أي نوع من التلاعب في عملية التصوير الفوتوغرافي (على سبيل المثال ، العدسة اللينة ، وطرق التطوير أو الطباعة الخاصة) وحاولوا استخدام مزايا الكاميرا كوسيط فريد لالتقاط الواقع. كان من المفترض أن تبدو زخارفهم موضوعية قدر الإمكان. وبدلا من التركيز على البورتريه الكلاسيكي والأسلوب التصويري ، بدأ المصورون في استخدام صورهم كوسيلة لتمثيل الحقائق القاسية للحياة اليومية ، ولكن في نفس الوقت حاولوا البحث عن الجمال بالتفصيل أو الهيكل الجمالي الشامل. أصبحت الآلات وعمل المصانع ، وكاشطات السماء والابتكارات التقنية عناصر بارزة. في عام 1932 ، بدأ بعض المصورين الشباب (مثل أنسل آدمز ، إيموجن كننغهام ، ويلارد فان دايك ، إدوارد ويستون) المجموعة f / 64 على أساس المثل العليا للتصوير الفوتوغرافي المستقيم ، الذي أصبح أكثر رابطة تقدمية في عصره.

النسوية والنوع والجنس

تطوير الحركة النسوية
ابتداء من أوائل القرن التاسع عشر ، استخدمت بعض النساء مذاهب الفخامة المثالية لتفادي عزل المجال المنزلي. وبحلول الثلاثينيات من القرن التاسع عشر ، كانت النساء تتحدى بصراحة مجال المرأة وتطالب بحقوق سياسية واقتصادية واجتماعية أكبر. لقد شكلوا أندية نسائية ومؤسسات خيرية في جميع أنحاء الولايات المتحدة. ولم تعد هيمنة الذكور على الساحة العامة ضمن حدود مقبولة للعديد من هؤلاء النساء الناشطات من الطبقة الوسطى. بدءاً من اتفاقية سينيكا فولز في عام 1848 ، عقدت النسويات الأميركيات اتفاقيات الدولة والوطنية حتى أوائل القرن العشرين. ارتبطت بعض المتحدثات باسم الحركة النسائية بالقضية النسائية مع الحب الحر والثورة الجنسية ، اللتان كانتا من قضايا المحرمات في العصر الفيكتوري. ولذلك ، ركزت النسويات في كل من بريطانيا والولايات المتحدة على القضايا السياسية والقانونية ، وعلى وجه الخصوص على التصويت ، وقضايا المرأة الهامة الأخرى المتعلقة بالأدوار الداخلية للمرأة وتنظيم الحياة المنزلية بشكل عام.

في نهاية المطاف ، بعد صراع طويل وشاق شمل الاحتجاجات العنيفة ، وفي بعض الأحيان عنيفة ، وحبس العديد من النساء ، وحتى بعض الوفيات ، فازت المعركة من أجل حق المرأة في التصويت. تم إقرار قانون الاقتراع في الولايات المتحدة في عام 1920 للنساء اللواتي كن من الأسر أو زوجات أرباب المنازل وفي عام 1928 لجميع النساء البالغات. (لم يتم إدراج النساء الأميركيات من أصل أفريقي. لقد حصلن فقط على حق التصويت في حركة الحقوق المدنية في الستينات). تأسست المنظمة الوطنية للنساء (NOW) في عام 1966 من قبل مجموعة من النسويات. تهدف أكبر مجموعة لحقوق المرأة في الولايات المتحدة الآن إلى وضع حد للتمييز الجنسي ، لا سيما في مكان العمل ، عن طريق ممارسة الضغوط التشريعية والتقاضي والمظاهرات العامة. شهدت السنوات التالية من أواخر القرن العشرين توسعًا كبيرًا لحقوق المرأة في جميع مجالات المجتمع الحديث. كان للفنانين الحداثيين موقف متناقض تجاه النسوية: فمن ناحية ، اختاروا المساواة في المعاملة بين الرجال والنساء فيما يتعلق بالقانون والامتياز والمهن ؛ من ناحية أخرى ، ما زال لديهم أوجه القصور المتصورة لدى النساء فيما يتعلق بالبيولوجيا والثقافة والتعالي. وكما أعلنت النسوية الراديكالية إيما غولدمان: “لا يبدأ التحرير الحقيقي في صناديق الاقتراع ولا في المحاكم [بل بالأحرى] في روح المرأة” (qtd. في ليون 223).

الجنس والجنس
تم تطوير أدوار النوع والجنسانية في الحداثة الأمريكية من خلال دراسات الهوية الوطنية والمواطنة ، الهوية العرقية والسياسة العرقية ، الهوية المثالية والجماليات ، ثقافة المجلات ، الثقافة البصرية ، اقتصاديات السوق ، والروايات التاريخية للحداثة السياسية في القرن العشرين. ساعد العمل الهائل الذي قام به علماء الحركة النسائية والنوع الاجتماعي والجنس في إعادة هيكلة مجال المنح الدراسية الحداثية الأمريكية. أصبحت الكتّاب النساء موضوع دراسة أدبية واسعة. تم إعادة تقييم المجتمعات المثلية والمثلية كنماذج للتجريب الجمالي الحديث ، وتم تفسير الهوية الجنسية وتكوين الجنس بطريقة جديدة.

شهد تحول الحياة الثقافية في القرن العشرين تحولاً إلى انقسام في الثقافة الجماهيرية مقابل الثقافة العالية ، حيث كان المفهوم السائد في السابق أنثوياً ، وكان يعتقد أن الثقافة العليا موجهة للذكور. أدانت سابقا الخيال الشعبي خدم الآن غرض النسوي. “شكلت حجر الأساس للدفاعات من مرحلة جديدة من الحب الحر وتعزيز ما يصاحب ذلك من تحديد النسل.” (ليون 225)

الحياة اليومية والثقافة
تسببت الحركة الحداثية في تغييرات واسعة في المجتمعات التي حدثت فيها. مع إدخال التطورات الصناعية ، بدأ الشعب الأمريكي يستمتع بنتائج العصر الحداثي الجديد. الحياة اليومية والثقافة هما المجالان اللذان يعكسان التغيير الاجتماعي في عادات المجتمع. التطورات التي حدثت مع الحداثة أثرت على معايير حياة الشعب الأمريكي وأفسحت المجال لأسلوب حياة جديد.

موضه
بالإشارة إلى الموضة ، عادة ما يفكر المرء في أنماط الملابس أو الأزياء. بطبيعة الحال ، أسلوب الملابس هو فئة مهمة جدا من كلمة “الموضة”. من ناحية أخرى ، “الموضة” لها معانٍ أكثر ويمكن تفسيرها والعثور عليها في العديد من المجالات الأخرى ، مثل الهندسة المعمارية ، ونوع الجسم ، والرقص والموسيقى ، وحتى أشكال الكلام ، إلخ.

1. ازياء
في أوائل عشرينيات القرن العشرين ، بدأت الأزياء الجاهزة في نشر أمريكا. اكتسب المزيد من النساء أجورهن الخاصة ولم يرغبن في قضاء بعض الوقت على التجهيزات. لم تكن الموضة كرمز للمكانة أكثر أهمية حيث أصبحت الفوارق الطبقية غير واضحة. دعا الناس خاصة النساء للأزياء غير مكلفة. في جانب الإنتاج الضخم للملابس المعاصرة للنساء ، تقدمت أمريكا على الدول الأخرى. قدم العديد من مصممي هذه الأزياء بما في ذلك جين ديربي وقفة المسرح.

النساء: بحلول عام 1921 كانت التنورة الطويلة ، والتي كانت عادة طويلة وغير متساوية في القاع قديمة. أصبحت التنورة القصيرة شعبية بحلول عام 1925. لا توجد حضن ، ولا خصر ، وشعر يكاد يكون مختبئًا تحت قبعة الكتشي. كما بدأ تصنيع مستحضرات التجميل من هذا العقد. بودرة ، أحمر شفاه ، أحمر الشفاه ، قلم الحواجب ، ظلال العيون ، المسامير الملونة ، النساء كان لهن كل شيء. وعلاوة على ذلك ، جاء اللؤلؤ في الموضة كذلك.

الرجال: في هذه الفترة ، كانت ملابس الرجال أكثر تحفظًا. اتسعت السراويل إلى 24 بوصة في القيعان. كانت تسمى كلسون ، زيادة العرض والطول ، بالإضافة إلى أربع. في الصيف ، كان الكتان الأبيض شائعًا ، في حين كان معطفًا أمريكيًا – معطف الراكون – في فصل الشتاء. يمكن طي قبعة التهدئة ، المصنوعة من اللباد ، وتعبئتها في حقيبة. هذه كانت شائعة جدا مع رجال الكلية.

2. الأثاث لا يوجد نمط حديث أمريكي خالص في عالم التصميم. ورث الفنانون الأميركيون العصريون النمط الذي يتميز ببساطة الشكل ، وغياب زخرفة الزينة ، وركزوا على الاهتمامات الوظيفية من سابقاتهم. في الوقت نفسه ، مزج المصممون الأمريكيون النمط البري للرسم الباريسي ، بالإضافة إلى ملامح العمارة الحديثة في أعمالهم ، مثل آرت ديكو. علاوة على ذلك ، وضع المصممون الكثير من التركيز على المواد ، خاصة تلك التي تم ابتكارها في العصر الحديث.

الأدب الحداثي الأمريكي
كان الأدب الأمريكي الحداثي الاتجاه السائد في الأدب الأمريكي بين الحرب العالمية الأولى والحرب العالمية الثانية. أبرز عصر الحداثة الابتكار في شكل ولغة الشعر والنثر ، فضلا عن معالجة العديد من الموضوعات المعاصرة ، مثل العلاقات بين الأعراق والجنس والحالة البشرية. العديد من الحداثيين الأمريكيين أصبحوا مغتربين في أوروبا خلال هذا الوقت ، وكثيراً ما أصبحوا صامدين في الحركة الأوروبية ، كما كان الحال مع تي إس إليوت وعزرا باوند وجيرترود ستاين. وكثيرا ما كان يعرف هؤلاء الكتاب باسم “الجيل الضائع”.

كرد فعل على هذا الاتجاه ، بدأ العديد من المؤلفين والشعراء الأميركيين في اتجاه ‘nativism’ ، سعياً لتمثيل التجربة الأمريكية الحديثة في أمريكا. ومن بين المساهمين البارزين في هذا الاتجاه ويليام كارلوس ويليامز ، والاس ستيفنز وماريان مور. غالباً ما كان هؤلاء الشعراء ينتقدون أعمال كتاب المغتربين مثل إليوت و باوند ، كما يتضح من قصائد مثل الربيع و الكل.

بعد تأثره بالحرب العالمية الأولى ، استكشف العديد من الكتاب الحداثيين الأميركيين الجراح النفسية والندوب الروحية لتجربة الحرب. تركت الأزمة الاقتصادية في أمريكا في بداية الثلاثينيات علامة على الأدب ، مثل “عناقيد الغضب” لجون شتاينبك. وهناك قضية ذات صلة تتمثل في فقدان الذات والحاجة إلى التعريف الذاتي ، حيث تلاشى العمال في خلفية حياة المدينة ، والمرئيات غير الملحوظة داخل آلة تتوق إلى التعريف الذاتي. ردد الحداثيون الأمريكيون تركيز منتصف القرن التاسع عشر على محاولة “بناء الذات” – وهو موضوع يوضحه غاتسبي فيتزجيرالد. يبدو أن الجنون ومظاهره هي موضوع عصري مفضل آخر ، كما رأينا في “إمبراطور جونز” في يوجين أونيل ، هيمينغواي ، The Battler و Faulkner’s That Evening Sun. ومع ذلك ، فإن كل هذه الجوانب السلبية أدت إلى آمال وتطلعات جديدة ، وإلى البحث عن بداية جديدة ، ليس فقط للأفراد المعاصرين ، ولكن أيضا للشخصيات الخيالية في الأدب الأمريكي الحداثي.

النقد الجديد في أمريكا
من 1930 إلى 1960s ، أصبح النقد الجديد قوة حاسمة في الولايات المتحدة. كان أقوى منظور في النقد الأدبي الأمريكي. الممثلون هم جون كرو رانسوم ، ألن تيت ، كلينث بروكس ، روبرت بين وارن. “إن الأساليب الحاسمة المؤثرة التي طورها هؤلاء الأساتذة الشاعرون شددت على مهارات القراءة المتقاربة. لقد ميز النقد الجديد تقييم الشعر كمبرر للمنح الأدبية”. أصبح بروكس ووارن فاندري للشعر (1938) واحدا من أكثر الكتب المدرسية الشعرية تأثيرا في الثلاثينات من القرن العشرين وتم تنقيحه وإعادة طبعه في السبعينيات. (موريسون: 29).

أظهر النقد الجديد نفسه في أعمال مثل قصائد إليوت و ييتس. “تم التأكيد على الشعر الأنسب للمعايير الجمالية للنقاد الجدد في مختارات تدريس مهمة في الفصول الدراسية” (موريسون: 29). أعاد TS Eliot تعريف تقليده في مقاله “التقليد والمواهب الفردية”. صاغ مثل هذه المفاهيم الحرجة مثل “ارتباط موضوعي” ، وأعاد النظر في الشريعة الأدبية في ترويجه للدراما اليعقوبية والميتافيزيقية. كان لعمله تأثير جوهري على النقد الجديد في أمريكا.

العمارة والفضاء
لعبت الولايات المتحدة دورًا كبيرًا في حركة الحداثة المتعلقة بتكنولوجيات البناء والتشييد المتقدمة الجديدة.من بين ابتكارات البناء هناك مواد مثل الحديد والصلب والخرسانة المسلحة. جسر بروكلين لجون وواشنطن رويبلينج (1869-1883) (لمزيد من التفاصيل راجع جون ربلنغ / واشنطن رويبلينج)

ترأس لويس هنري سوليفان ما يسمى مدرسة شيكاغو للهندسة المعمارية ، والتي كانت متميزة من خلال تطوير التصميم الوظيفي جنبا إلى جنب مع المواد الحديثة. وقد استوعب فرانك لويد رايت من سوليفان من “معلمه الغالي” (سيده العزيز) التقليد الرومانسي الألماني للعمارة العضوية. طور منهجًا جديدًا أصليًا للتصميم السكني قبل الحرب العالمية الأولى ، والذي أصبح يعرف باسم “أسلوب البراري”. يجمع بين مبادئ التخطيط المفتوح مع التركيز الأفقي ، وارتفاعات واجهة غير متناسقة ، وأسقف واسعة ، الإيواء. روبي هاوس في شيكاغو (1909) ومتحف غوغنهايم في مدينة نيويورك (1946-1959) هما من أعماله الأساسية.

في أعماله ، اقترب رايت من أقرب إلى شكل طبيعي من أشكال الأرض ، مستخدما الحجر والخشب المقطوع ، وكان يسعى دائمًا في بيوته إلى تحقيق مأوى حميمي وحميمي.

لعب المهندسون المولودون في الخارج ، مثل ريتشارد نيوترا ، ورودولف شندلر ، وويليام ليسكازيز خلال العشرينيات من القرن الماضي دورا كبيرا في تطوير الهندسة المعمارية الأمريكية في وقت لاحق أسلوبا ، والتي حصلت على اسم النمط الدولي وانعكس في تصميم مباني مكاتب الشركات بعد العالم الحرب الثانية. مثل هذه المباني مثل Skidmore و Owings و Merrill’s Lever House (1952) و Ludwig Mies van der Rohe’s Seagram Building (1956–58) في مدينة نيويورك هي أمثلة على هذا النمط الجديد. عندما هاجر أوروبيون مشهورون مثل والتر غروبيوس و لودفيج ميس فان دير روه إلى الولايات المتحدة ، فإن العديد من المدارس المعمارية الأمريكية كانت تحت تأثير تقاليد باوهاوس في ألمانيا.

Hisour- موقع حزب الحداثو الديمقراطية

اظهر المزيد

اترك تعليقاً

زر الذهاب إلى الأعلى
Translate